“Blade Runner”, dirigida por Ridley Scott y estrenada en 1982, es un viaje a un futuro distópico que, personalmente, siempre me ha fascinado. Si todavía no la has visto, te recomiendo encarecidamente que lo hagas.
La película nos sumerge en un Los Ángeles futurista del año 2019, donde rascacielos gigantescos y neones publicitarios crean un ambiente único. La mezcla de estilos arquitectónicos, con influencias del film noir y la ciencia ficción, crea un escenario que es prácticamente un personaje en sí mismo.
Otra cosa que me encanta es la banda sonora compuesta por Vangelis. Su música sintetizada, con un toque de jazz y ambient, complementa a la perfección la atmósfera de la película. Cada escena se ve realzada por esta música, que juega un papel crucial en la creación del tono melancólico y reflexivo de la película.
La historia sigue a Rick Deckard, interpretado magistralmente por Harrison Ford, un “blade runner” encargado de cazar replicantes —seres bioingenierizados que son virtualmente idénticos a los humanos— y que tienen prohibida su entrada al planeta Tierra después de que algunos replicantes se sublevaran para reivindicar su derecho a la vida, ya que durante su fabricación se les inserta un código con una muerte programada. La cuestión moral sobre qué significa ser humano y los límites éticos de la creación de vida artificial es, para mí, lo que más destaca. La película no solo es una persecución emocionante, sino también una profunda reflexión sobre la identidad, la memoria y la humanidad.
La dirección de Ridley Scott es otro aspecto que me fascina. Su atención al detalle y su habilidad para crear atmósferas densas y envolventes es notable. Cada plano está meticulosamente compuesto, y el uso de la luz y las sombras es magistral, lo que contribuye a la sensación de estar en un mundo real y tangible, aunque sea completamente ficticio.
Existen dos versiones, el Director’s Cut de 1992 y The Final Cut de 2007 que eliminan la narración en off de Deckard y el final feliz forzado, elementos que estaban en la versión original por presiones del estudio. Sin estos, la película gana en ambigüedad y profundidad, permitiendo a los espectadores sacar sus propias conclusiones pero no se puede saber cómo sería la película o cómo se entendería si se viesen estas antes que la original que, gracias a la voz en off, nos pone en contexto sobre todo lo que va a suceder.
Un futuro en el pasado
Existe una tendencia en Hollywood a imaginarse el futuro demasiado cerca en el tiempo y es una trampa en la que caen una y otra vez. “Blade Runner”, ambientada en 2019. ¿Replicantes? ¿Ciudades que son una mezcla de caos tecnológico y desolación social? Lo que tenemos en realidad son smartphones y redes sociales. Sí, impresionantes, pero no lo que esperábamos.
¿Recordáis cuando el 2015 era el futuro en “Volver al Futuro II”. Los coches voladores, las zapatillas que se atan solas, los aeropatines… ¿Dónde están? Aquí estamos, en una época donde la realidad más emocionante es una actualización de software. Claro, la tecnología ha avanzado mucho, pero ¿dónde está el glamour futurista que nos prometieron?
Estas representaciones crean expectativas poco realistas. Nos hacen creer que estamos a punto de dar saltos gigantes en tecnología y sociedad. Pero la realidad es que el cambio es más lento y, a menudo, menos espectacular. No hay duda de que hemos avanzado. Pero en lugar de ciudades flotantes y viajes intergalácticos, nuestro futuro inmediato parece estar lleno de mejoras incrementales en tecnologías ya existentes.
Además, estas representaciones futuristas tienden a ignorar los problemas reales que podríamos enfrentar. El cambio climático, por ejemplo, rara vez es el centro de estas visiones del futuro, a menos que sea en una película de desastres. La desigualdad, las cuestiones de privacidad y los dilemas éticos de la tecnología emergente son a menudo relegados a un segundo plano en favor de gadgets y vehículos geniales.
Otro aspecto que me llama la atención es cómo estas películas afectan nuestra percepción del progreso. Nos hacen pensar que no hemos avanzado lo suficiente porque no vivimos en el mundo que imaginaron. Pero el progreso no siempre es tan visible o dramático como una ciudad llena de rascacielos y neones. A menudo, se encuentra en cosas más pequeñas y menos llamativas, pero igualmente importantes o simplemente en la disponibilidad a gran escala de las tecnologías. Hoy todos llevamos en el bolsillo un intercomunicador que le da veinte vueltas al que llevaban los habitantes de la base lunar Alpha en Espacio 1999 y lo interesante no es que exista la tecnología, sino que es absolutamente asequible para todos.
Sin embargo, reconozco que hay un lado positivo en todo esto. Estas películas nos inspiran. Nos hacen soñar con lo que podría ser posible. Son un catalizador para la imaginación y la innovación. Después de todo, muchas tecnologías actuales fueron alguna vez parte de la ciencia ficción. Los teléfonos móviles, las videoconferencias y otras tantas cosas que damos por sentado hoy en día, alguna vez fueron sueños de futuristas y cineastas.
Además, estas representaciones del futuro también reflejan las esperanzas y temores de la época en que se crearon. En ese sentido, son documentos históricos valiosos que nos muestran cómo veíamos el futuro en diferentes puntos del tiempo. Son, en cierta manera, un reflejo de nuestras aspiraciones colectivas y preocupaciones.
Escenas para recordar
Comencemos con el test de Voight-Kampff. Esta herramienta ficticia es usada en la película para distinguir entre humanos y replicantes, seres bioingenierizados indistinguibles a simple vista. El test mide las respuestas emocionales, un aspecto considerado exclusivamente humano. Hoy en día, con los avances en IA y la preocupación por la inteligencia artificial emocional, esta escena adquiere un nuevo significado. ¿Podemos realmente diferenciar entre la respuesta emocional genuina de un humano y la simulada por una máquina?
Lo que más me llama la atención aquí es cómo “Blade Runner” anticipó debates éticos y filosóficos actuales sobre la IA. La escena en sí es tensa, una interacción cargada de sospecha y desconfianza. Las preguntas del test y las reacciones de los personajes nos hacen cuestionar la naturaleza de la empatía y la conciencia. ¿Son estas cualidades exclusivas de los humanos? ¿Puede una máquina, programada adecuadamente, replicarlas?
En cuanto al monólogo final de Roy Batty, el replicante interpretado por Rutger Hauer, esta escena, bajo la lluvia y con una atmósfera casi etérea, es probablemente uno de los momentos más poderosos y emocionales del cine de ciencia ficción o, tal vez del cine. Batty, enfrentando su propia mortalidad, reflexiona sobre sus experiencias, expresando una profundidad emocional que desafía la noción de que los replicantes son meras máquinas.
Lo que más me ha gustado de esta escena es cómo encapsula la esencia de toda la película: la búsqueda de significado y la lucha contra la efímera naturaleza de la existencia. “He visto cosas que vosotros no creeríais”, comienza Batty, llevándonos a un viaje por sus recuerdos, por momentos que se perderán “como lágrimas en la lluvia”. Es una meditación sobre la memoria, la mortalidad y lo que significa ser consciente de uno mismo.
Esta escena también destaca por su potente simbolismo. La lluvia, omnipresente en “Blade Runner”, aquí adquiere un significado aún más profundo. Representa la transitoriedad de la vida, la pureza y, a la vez, la pérdida. Es como si la misma naturaleza llorara por la trágica existencia de estos seres creados por el hombre, destinados a una vida corta y llena de conflictos.
Batty no solo está lamentando su propia muerte; también está reflexionando sobre la injusticia inherente a su existencia. Como replicante, ha sido creado con un propósito específico y fecha de caducidad, sin elección ni libertad para determinar su propio destino. Su monólogo es un grito contra esta opresión, una rebelión contra las limitaciones impuestas por sus creadores.
Además, la actuación de Rutger Hauer en esta escena es simplemente sublime. Se dice que improvisó parte del monólogo, añadiendo una capa de autenticidad y emoción que hace que la escena resuene aún más. Su entrega emocional da vida a un personaje que podría haber sido solo otro villano de ciencia ficción, transformándolo en un ser complejo y profundamente humano, a pesar de su naturaleza artificial.
La secuela, en el peor de los sentidos
“Blade Runner 2049” (2017) intentó seguir los pasos de su predecesora y, en mi opinión, falló en capturar su esencia. Bueno, en realidad falló en casi todo.
Primero, pongámonos en contexto. “Blade Runner” es una obra maestra de la ciencia ficción. Nos presentó un futuro distópico, preguntas profundas sobre la humanidad y una estética visual que marcó un antes y un después en el cine y nos sumergió en cuestiones filosóficas sobre la existencia, la moralidad y lo que significa ser humano.
“Blade Runner 2049”, por otro lado, parece más enfocada en los aspectos superficiales de su predecesora: los efectos visuales, las persecuciones futuristas y un Los Ángeles aún más distópico. Pero, ¿dónde queda la profundidad? Las preguntas que nos hacía la original parecen haberse esfumado en esta secuela aunque aparentemente no dejen de hacérselas to su larguísimo metraje.
“Blade Runner 2049” intenta modernizarse con tecnologías y tendencias actuales, perdiendo esa sensación de atemporalidad que tenía la primera. En lugar de expandir el universo de “Blade Runner” de manera significativa, parece una repetición de viejas ideas con un nuevo barniz; todo está más limpio y más luminoso, diseñado más para impresionar visualmente que para contar una historia con significado. Sí, los efectos visuales son impresionantes, pero el corazón y el alma de lo que hizo grande a “Blade Runner” parece haberse perdido en el camino.
Además, la película sufre de lo que yo llamo “síndrome de la secuela”: intenta ser más grande y espectacular, pero termina pareciendo vacía. Más no siempre es mejor.
Volver a Cine de ciencia ficción
Volver a Clásicos del cine
